Néanmoins, dans le déambulatoire du Loggiato dei Lumi, les décennies vécues dans l'art semblent se dérouler, comme s'il s'agissait d'une chronologie visuelle où chaque œuvre semble trouver naturellement sa place et la synthèse des formes semble révéler une évolution organique.
Le regard devant l'oeuvre de Nino dans son ensemble parle de l'harmonie des palettes de couleurs, de la recherche formelle, de tension continue vers un équilibre rationnel, le tout combiné à l'utilisation judicieuse des techniques, et les matériaux conçus pour les supporter.
Issue des expressions formelles et des recherches des années 1950, le pinceau de l'artiste est réduit à la pure technique picturale, où c'est la couleur elle-même qui construit l'architecture de l'oeuvre. Les peintures de Ricci ne racontent pas, mais reste disponible pour le spectateur.
Les années 1950 ont été importantes pour sa formation. Poussé par le père, Nino Ricci a fréquenté la Scuola del Libro d'Urbino qui, à cette époque, était sans aucun doute l'institution la plus importante d'Italie pour le graphisme éditorial., illustration et gravure. Les enseignements reçus l'accompagneront alors constamment tout au long de son activité artistique.
Par la suite sa formation et la recherche de son enseigne se poursuivent d'abord à l'Académie des Beaux-Arts de Rome dans la section scénographie, où il avait son compatriote Sante Monachesi comme professeur; puis comme boursier au Centro Sperimentale di Cinematografia à Rome.
Au retour de Rome, dans le 1954, rencontre Osvaldo Licini à l'occasion de l'Exposition Nationale d'Art Abstrait organisée en collaboration avec la Brigade des Amis de l'Art. Autre rencontre fondamentale, celle avec Jean Fautrier à la XXX Biennale de Venise, grâce à quoi, dans les années 60, Ricci a décidé de rejoindre le Groupe Levante.
Avec Sucettes, Ferraioli, Vous pêchez, Tulli e Nerpiti a ensuite participé à l'importante exposition monographique au Palazzo Strozzi à Florence 1963, organisé par Galleria Numero dirigé par Fiamma Vigo.
Les années 1960 ont entraîné une recherche mesurée de l'ordre, visant une abstraction géométrique avec une mise en scène scénographique où l'investigation esthétique, par un processus de réduction et de décomposition de la réalité, vise d'emblée à rechercher l'équilibre entre la bidimensionnalité des formes et la tension des lignes (n.981,982,990),.
Les formulaires sont amenés sur la toile, lignes et couleurs délibérément réduites à l'essentiel et agencées selon un schéma géométrique totalement exempt de significations allégoriques. Il est possible de retracer l'enquête menée par l'artiste sur la forme et le contenu dans les peintures. La précision mathématiquement parfaite des travaux de ces années cache à première vue, réellement, un univers de petites modifications délibérées, parce que la toile se veut la représentation graphique d'une émotion, d'un sentiment.
A partir des années 1970, l'artiste aborde un nouveau formalisme géométrique où le volume et sa solide tridimensionnalité deviennent essence pure.. Le format des toiles, maintenant carré et à l'envers, d'après la leçon de Max Bill et Richard Paul Lhose, accueille des tons et des palettes plus audacieux et pop qui présentent des formes et des géométries très différentes des œuvres précédentes (244,289).
L'artiste expérimente presque obsessionnellement toutes les variations possibles et différentes itérations autour d'un même module, afin de pouvoir chaque fois calibrer de nouveaux équilibres à travers les différentes solutions chromatiques et les dialogues entre les intersections continues.
Pour la plupart des années 70 et la plupart des années 80, le formalisme géométrique accompagne tout le travail de Nino Ricci. Dans 1984 se termine par l'enseignement pour se consacrer entièrement à l'activité artistique, et voyager en compagnie de son épouse bien-aimée Stefania.
En particulier, un voyage à Prague durant l'été 1986 il a marqué un tournant important dans sa carrière artistique. En effet, la vision des pierres tombales du cimetière juif de la ville s'avère être une épiphanie pour l'artiste, lui inspirant une nouvelle série d'oeuvres qui deviendront bientôt iconiques dans la production des années suivantes.
A partir de ce moment, un nouvel humanisme enveloppe ses oeuvres. Les lignes chassent une nouvelle douceur et plasticité. Les volumes ne répondent plus aux canons géométriques et mathématiques classiques, mais ils s'élèvent vers une nouvelle dimension éthérée et intemporelle, perdre du poids et de l'électricité statique.
Pour reprendre les mots de Giuseppe Appella: "Les ruines – l'objet totémique interprété et exprimé entre les 1989 et le 2002 – ils se dilatent au-delà de leur propre phénomène. Ils deviennent trop grands pour leur apparence de nature morte, ils sont disposés selon la fréquence de symétrie et d'alignement, présence et orientation, presque toujours horizontale, entrepris avec des surtensions verticales soudaines et une quantité d'énergie égale à l'adresse cadencée, au développement du mouvement entre plan et contre-plan."
Les Natures ou Volumes peuplent les toiles de l'artiste depuis plus de vingt ans. Leur composition est le résultat d'études minutieuses sur l'impact de la lumière et, donc, des ombres sur les surfaces des coupes que l'artiste étudie à travers des maquettes préparatoires, également présenté dans l'exposition.
Dans les mêmes années, à l'aquarelle, des crayons, carboncini, graphites et dans la gravure on applique la même recherche sur le volume qui, grâce à une hachure sophistiquée, intensifie et ramène le jeu d'ombre et de lumière dans l'imprimé.
Intéresser l'artiste, en plus de l'étude minutieuse de la technique, c'est aussi la connaissance raffinée de l'utilisation du papier dans les techniques artistiques, pour qui dans 1992 il se retrouve à écrire avec Luigi Teodosi un traité intitulé: Dans les charts de Fabriano, avec l'introduction de Vanni Schewiller.
