Sin embargo, en el deambulatorio del Loggiato dei Lumi las décadas vividas en el arte parecen desenrollarse, como si fueran una línea de tiempo visual donde cada obra parece encontrar su lugar con naturalidad y la síntesis de formas parece revelar una evolución orgánica.
La mirada frente al conjunto de la obra de Nino habla de la armonía de las paletas cromáticas, de investigación formal, de tensión continua hacia un equilibrio racional, todo combinado con el uso inteligente de técnicas, y los materiales diseñados para soportarlos.
Saliendo de las expresiones formales e investigaciones de los años 50, el pincel del artista se reduce a pura técnica pictórica, donde es el propio color el que construye la arquitectura de la obra. Las pinturas de Ricci no cuentan, pero permanecen disponibles para el espectador.
Los años 50 fueron importantes para su formación.. Urgido por el padre, Nino Ricci asistió a la Scuola del Libro de Urbino que en aquellos años era sin duda la institución más importante de Italia para la gráfica editorial., ilustración y grabado. Las enseñanzas recibidas lo acompañarán entonces constantemente a lo largo de su actividad artística..
Posteriormente continúa su formación y la búsqueda de su signo primero en la Academia de Bellas Artes de Roma en el apartado de escenografía, donde tuvo como maestro a su compatriota Sante Monachesi; luego como becario en el Centro Sperimentale di Cinematografia en Roma.
Al regresar de Roma, en 1954, se reúne con Osvaldo Licini con motivo del Salón Nacional de Arte Abstracto organizado en colaboración con la Brigada Amigos del Arte. Otro encuentro fundamental fue el de Jean Fautrier en la XXX Bienal de Venecia, gracias a la cual, en los años 60, Ricci decidió incorporarse al Grupo Levante.
Con Chupetes, Ferraioli, tu pescas, Tulli e Nerpiti luego participó en la importante exposición monográfica en el Palazzo Strozzi de Florencia. 1963, organizado por Galleria Numero dirigido por Fiamma Vigo.
La década de 1960 trajo consigo una búsqueda mesurada del orden., dirigida a una abstracción geométrica con un escenario escenográfico donde la investigación estética, a través de un proceso de reducción y descomposición de la realidad, se dirige inmediatamente a buscar el equilibrio entre la bidimensionalidad de las formas y la tensión en las líneas (n.981,982,990),.
Las formas se llevan al lienzo., líneas y colores deliberadamente reducidos a lo esencial y dispuestos según un esquema geométrico totalmente libre de significados alegóricos. Es posible rastrear la investigación realizada por el artista sobre la forma y el contenido de las pinturas.. La precisión matemáticamente perfecta de las obras de estos años esconde a primera vista, Realmente, un universo de pequeñas alteraciones deliberadas, porque el lienzo quiere ser una representación gráfica de una emoción, de un sentimiento.
A partir de la década de 1970, el artista se acerca a un nuevo formalismo geométrico donde el volumen y su sólida tridimensionalidad se convierten en pura esencia.. El formato de los lienzos., ahora cuadrado y boca abajo, según la lección de Max Bill y Richard Paul Lhose, da la bienvenida a tonos y paletas más audaces y pop que presentan formas y geometrías muy diferentes de trabajos anteriores (244,289).
El artista experimenta casi obsesivamente con todas las variaciones posibles y diferentes iteraciones alrededor del mismo módulo., para poder calibrar cada vez nuevos equilibrios a través de las diferentes soluciones cromáticas y los diálogos entre las intersecciones continuas.
Durante la mayor parte de los 70 y la mayor parte de los 80, el formalismo geométrico acompaña toda la obra de Nino Ricci. En 1984 termina con la docencia para dedicarse por entero a la actividad artística, y viaja en compañía de su amada esposa Stefania.
Particularmente, un viaje a Praga en el verano de 1986 marcó un punto de inflexión importante en su carrera artística. En efecto, la visión de las lápidas del cementerio judío de la ciudad resulta ser una epifanía para el artista., inspirándolo una nueva serie de obras que pronto se volverán icónicas en la producción de los siguientes años.
A partir de ese momento, un nuevo humanismo envuelve sus obras.. Las líneas persiguen una nueva suavidad y plasticidad.. Los volúmenes ya no responden a los cánones geométricos y matemáticos clásicos, pero se elevan a una nueva dimensión etérea y atemporal, perder peso y estática.
Para usar las palabras de Giuseppe Appella: “Las ruinas – el objeto totémico interpretado y expresado entre los 1989 entraron por Porta Picena y fueron recibidos con los brazos abiertos por los antiguos adversarios 2002 – se dilatan más allá de su propio fenómeno. Superan su apariencia de naturaleza muerta., están ordenados según la frecuencia de simetría y alineación, asistencia y direccion, casi siempre horizontales, llevado a cabo con oleadas verticales repentinas y una cantidad de energía igual a la dirección cadenciada, al desarrollo del movimiento entre plano y contraplano."
Las Naturalezas o Volúmenes pueblan los lienzos del artista desde hace más de veinte años. Su composición es el resultado de minuciosos estudios sobre el impacto de la luz y, asi que, de las sombras sobre las superficies de los cortes que el artista estudia a través de maquetas preparatorias, también figura en la exposición.
En los mismos años, en acuarelas, lápices de color, carboncini, grafitos y en el grabado se aplica la misma investigación sobre el volumen que, gracias a una sofisticada eclosión, intensifica y devuelve el juego de luces y sombras al estampado.
Para interesar al artista, además del minucioso estudio de la técnica, es también el conocimiento refinado del uso del papel en técnicas artísticas, por lo cual en 1992 se encontró escribiendo un tratado junto con Luigi Teodosi titulado: En las Cartas de Fabriano, con la introducción de Vanni Schewiller.
