Nichtsdestotrotz, im Umgang des Loggiato dei Lumi scheinen sich die in der Kunst gelebten Jahrzehnte zu entspannen, als wären sie eine visuelle Zeitlinie, in der jedes Werk seinen Platz auf natürliche Weise zu finden scheint und die Synthese der Formen eine organische Evolution zu offenbaren scheint.
Der Blick vor Ninos Gesamtwerk spricht von der Harmonie der Farbpaletten, der formalen Forschung, ständiger Spannung hin zu einem rationalen Gleichgewicht, alles kombiniert mit dem klugen Einsatz von Techniken, und die Materialien, die dafür entwickelt wurden, sie zu unterstützen.
Hervorgegangen aus den formalen Ausdrücken und Forschungen der 1950er Jahre, der Pinsel des Künstlers ist auf reine Bildtechnik reduziert, wo es die Farbe selbst ist, die die Architektur der Arbeit aufbaut. Riccis Bilder erzählen nichts, bleiben aber für den Betrachter verfügbar.
Die 1950er Jahre waren wichtig für seine Entstehung. Vom Vater gedrängt, Nino Ricci besuchte die Scuola del Libro von Urbino, die damals zweifellos die wichtigste Institution für redaktionelle Grafik in Italien war, Illustration und Gravur. Die erhaltenen Lehren werden ihn dann während seiner gesamten künstlerischen Tätigkeit ständig begleiten.
Anschließend setzen sich seine Ausbildung und die Suche nach seinem Zeichen zunächst an der Akademie der Schönen Künste in Rom in der Abteilung Szenografie fort, wo er seinen Landsmann Sante Monachesi als Lehrer hatte; dann als Stipendiat am Centro Sperimentale di Cinematografia in Rom.
Bei der Rückkehr aus Rom, In dem 1954, trifft Osvaldo Licini anlässlich der National Exhibition of Abstract Art, die in Zusammenarbeit mit der Friends of Art Brigade organisiert wird. Ein weiteres grundlegendes Treffen war das mit Jean Fautrier auf der XXX. Biennale in Venedig, dank dessen, in den 60er Jahren, Ricci beschloss, der Levante-Gruppe beizutreten.
Mit Schnullern, Ferraioli, Du fischst, Tulli e Nerpiti nahmen dann an der wichtigen monografischen Ausstellung im Palazzo Strozzi in Florenz teil 1963, organisiert von der Galleria Numero unter der Leitung von Fiamma Vigo.
Die 1960er Jahre brachten eine maßvolle Suche nach Ordnung, zielte auf eine geometrische Abstraktion mit einem szenografischen Rahmen ab, in dem die ästhetische Untersuchung stattfand, durch einen Prozess der Reduktion und Zerlegung der Realität, zielt unmittelbar darauf ab, die Balance zwischen der Zweidimensionalität der Formen und der Spannung in den Linien zu suchen (Nr. 981.982.990),.
Formen werden auf die Leinwand gebracht, Linien und Farben bewusst auf das Wesentliche reduziert und nach einem geometrischen Schema angeordnet, das völlig frei von allegorischen Bedeutungen ist. In den Gemälden lässt sich die Recherche des Künstlers zu Form und Inhalt nachvollziehen. Die mathematisch perfekte Präzision der Werke dieser Jahre verbirgt sich auf den ersten Blick, eigentlich, ein Universum aus kleinen absichtlichen Veränderungen, weil die Leinwand eine grafische Darstellung einer Emotion sein möchte, eines Gefühls.
Ab den 1970er Jahren nähert sich der Künstler einem neuen geometrischen Formalismus, in dem Volumen und seine solide Dreidimensionalität zur reinen Essenz werden. Das Format der Leinwände, jetzt quadratisch und auf den Kopf gestellt, nach der Lehre von Max Bill und Richard Paul Lhose, begrüßt mutigere und poppigere Töne und Paletten, die sehr unterschiedliche Formen und Geometrien aus früheren Arbeiten präsentieren (244,289).
Der Künstler experimentiert fast obsessiv mit allen möglichen Variationen und verschiedenen Iterationen rund um dasselbe Modul, um durch die verschiedenen chromatischen Lösungen und die Dialoge zwischen den kontinuierlichen Schnittpunkten jedes Mal neue Waagen kalibrieren zu können.
Für die meisten der 70er und die meisten der 80er, Geometrischer Formalismus begleitet alle Arbeiten von Nino Ricci. Im 1984 endet mit der Lehre, sich ganz der künstlerischen Tätigkeit zu widmen, und reisen in Begleitung seiner geliebten Frau Stefania.
Bestimmtes, eine Reise nach Prag im Sommer 1986 es markierte einen wichtigen Wendepunkt in seiner künstlerischen Laufbahn. Tatsächlich entpuppt sich die Vision der Grabsteine des jüdischen Friedhofs der Stadt als Offenbarung für den Künstler, inspiriert ihn zu einer neuen Reihe von Werken, die in der Produktion der folgenden Jahre bald zu Ikonen werden.
Von diesem Moment an umhüllt ein neuer Humanismus seine Werke. Die Linien jagen eine neue Weichheit und Plastizität. Die Bände entsprechen nicht mehr den klassischen geometrischen und mathematischen Kanonen, aber sie erheben sich in eine neue ätherische und zeitlose Dimension, Abnehmen und Statik.
Um es mit den Worten von Giuseppe Appella zu sagen: “Die Ruine – das totemistische Objekt interpretiert und ausgedrückt zwischen den 1989 und der 2002 – sie erweitern sich über ihr eigenes Phänomen hinaus. Sie wachsen über ihr Stilleben hinaus, sie sind nach Symmetriehäufigkeit und Ausrichtung geordnet, Anwesenheit und Leitung, fast immer waagerecht, mit plötzlichen vertikalen Stößen und einer Energiemenge, die der getakteten Adresse entspricht, zur Entwicklung der Bewegung zwischen Ebene und Gegenebene.”
Die Naturen oder Volumen bevölkern seit über zwanzig Jahren die Leinwände des Künstlers. Ihre Zusammensetzung ist das Ergebnis sorgfältiger Studien zur Wirkung von Licht und Licht, so, der Schatten auf den Oberflächen der Schnitte, die der Künstler durch vorbereitende Modelle studiert, auch in der Ausstellung zu sehen.
In denselben Jahren, bei Aquarellen, Buntstifte, Kohlensäure, Graphite und in der Gravur wird die gleiche Forschung auf das Volumen angewendet, dank raffinierter Schraffur, intensiviert und bringt das Spiel von Licht und Schatten zurück in den Druck.
Um den Künstler zu interessieren, neben dem akribischen Studium der Technik, es ist auch das verfeinerte Wissen um die Verwendung von Papier in künstlerischen Techniken, wofür hinein 1992 er schrieb zusammen mit Luigi Teodosi eine Abhandlung mit dem Titel: In Fabrianos Charts, mit der Einleitung von Vanni Schewiller.
